REALIZAMOS MÁSCARAS

En la clase de Juegos Cooperativos , hemos creado la careta de un compañero teniendo en cuenta  su descripción física y psiquica.Tras el autorretrato que ha realizado mi compañera Sonia y su descripción,  he confeccionado  su máscara y  teniendo en cuenta sus cualidades y mi visión.

Os dejo las fotografías del proceso:

Es un solete e irradia , como se puede observar :  trabajo ( representado con una hormiguita), un corazón que simboliza la nobleza y la casita de chocolate por su dulzura.

Armando ha realizado mi careta. Aquí os dejo una foto de la misma.

Por último, os dejo las de nuestro grupo.

Ha sido una experiencia muy divertida, lúdica y creativa donde se ha desarrollado juegos de presentación, conocimiento, creatividad y distensión.




   

LA ACUARELA

En clase de Juegos Cooperativos, hemos trabajado con una nueva una técnica que nos ha enseñado nuestro profe Miguel Alemán " La acuarela".

¿Queréis conocerla?

La acuarela es un compuesto que pinta y usa los pigmentos de agua-soluble que son o sean transparentes o sean opacos.

Por medio de la misma así como el papel a el que esto es aplicado, la acuarela con frecuencia es pensada como un medio de fugitivo. Mientras la acuarela no puede rivalizar con aceites para la durabilidad y la longevidad, esto es un medio que tiene una historia muy duradera y distinguida y, claramente, un futuro sano.

Mientras artistas Americanos en los comienzos del siglo 19 parecieron considerar la acuarela principalmente como un instrumento que bosqueja, preparatorio al trabajo "terminado" en el aceite o el grabado, los artistas ingleses del medio de los años 1700 ya habían elevado la acuarela a un medio serio igual para engrasar. En Inglaterra, la acuarela primero ha sido usada por delineantes arquitectónicos y los topógrafos, pero pronto los acuarelistas (presentaban) figuras en sus composiciones. Esto tomó al genio de Homer Winslow para revelar a artistas americanos el potencial extraordinario de la acuarela como un medio de expresión seria. Una vez aceptado, la acuarela se hizo un medio inevitable para el pintor americano desde el principio, hecho que pinta uno de los rasgos dominantes de la tradición Americana de arte. La luminosidad inherente de la Acuarela, combinada con su capacidad para la ejecución rápida, dio un medio ideal a pintores de paisaje para registrar los efectos breves de naturaleza.

La historia de acuarela inextricablemente es atada a la historia de papel, inventada en su forma presente por el chino un poco después de 100 años. El papel fue introducido (presentado) a España por los moros victoriosos a mediados del siglo XII y luego a Italia 25 años más tarde.

El precursor de la pintura en acuarela era la pintura de fresco buon: la acuarela que se utilizaba para pintar las paredes sobre el yeso mojado. El ejemplo más famoso de fresco buon es, desde luego, la Capilla Sixtina, comenzada en 1508 y completada en 1514. En Europa en el siglo XV, Albrecht Durero (1471-1528) pintaba en la acuarela. La influencia de Durero era en parte responsable de la primera escuela de acuarela que pinta en Europa, conducida por Hans Bol (1534-1593).

2. Técnica De Acuarela

Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto,  y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.

3. Acuarelas Renacentistas

Normalmente se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son los estudios de paisajes y de animales realizados en el siglo XV por el maestro alemán Alberto Durero, quien terminaba a la acuarela sus dibujos a pluma sobre temas de historia natural. Estas obras no constituyen la mayor parte de su producción, pero se les considera ejemplos clásicos de dibujos de la naturaleza, detallados y precisos. Los artistas de los siglos XVI y XVII sólo utilizaban de forma ocasional las pinturas al agua y la costumbre era emplearlas en monocromo. El bistre (pigmento marrón, café, obtenido del hollín) y la sepia (pigmento negruzco procedente de la tinta de calamar) tuvieron una preponderancia momentánea en las obras del artista francés Claudio de Lorena y del maestro holandés Rembrandt, quienes los utilizaban para crear expresivos efectos atmosféricos de nubes y cielo en sus dibujos de paisajes a tinta. No era frecuente el uso de pinturas al agua, por lo que se encuentran únicamente en las obras de unos cuantos maestros relativamente menores, como Hendrick van Avercamp y Adriaen van Ostade.

ALBERTO DURERO

4. Acuarelas Inglesas.

La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo , que además la intensificó, del romanticismo , que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes. Al principio, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas de color para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin embargo, a mediados de la década de 1700, la técnica de la acuarela se libró de esas ataduras —sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby—, y los artistas empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la acuarela como modalidad artística y se hizo muy popular. Los temas abarcaban mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson.

En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la acuarela fue sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert Cozens, por ejemplo, realizó acuarelas muy evocadoras de los Alpes suizos y ejerció una importante influencia sobre los dos grandes maestros ingleses de la acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord William Turner. En la primera mitad del siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y luminosidad que no ha encontrado parangón; para describir sus acuarelas se decía que habían sido "pintadas con vapor teñido".

5. Acuarelas en América y en Europa

La acuarela no destacó tanto en otros países europeos. En Francia utilizaron mucho esta técnica algunos pintores románticos como Géricault o Delacroix. La facilidad que proporcionaba a los artistas para representar la luz y la atmósfera tuvo una influencia menor en el movimiento impresionista que se desarrollaba en Europa a finales del siglo XIX, aunque algunos artistas aprovecharon su rápido secado para captar el instante fugaz. En España fueron diestros acuarelistas Mariano Fortuny y Ricardo Madrazo entre otros. El empleo de la técnica de la acuarela estaba más extendido en Estados Unidos. Sus principales representantes a partir de 1870 eran John Sargent y Winslow Homer, el primero con escenas europeas brillantes y el segundo con representaciones realistas y absolutamente espontáneas de los bosques de Maine y de escenas caribeñas.

En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño, destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la pintura acrílica.

VAMOS A JUGAR EN CLASE CON LA ACUARELA.

Hemos jugado con nuestro nombre para desarrollar la creatividad y el conocimiento de si mismo.Hemos trabajado la línea, color y forma como elementos artítico y, también, hemos realizado con esta actividad, hemos desarrollado diferentes juego: presentación, afirmación, confianza y distensión.

 

 

 

LA TECNICA DEL ACRÍLICO: SU HISTORIA , AUTORES, CARACTERÍSTICAS Y APLICACIÓN DIDÁCTICA

Los acrílicos aparecieron hacia mediados del siglo XIX, pero no fue hasta los años 30 del pasado siglo cuando aparecieron industrialmente.  Fueron los artistas norteamericanos los que comenzaron a usar la pintura acrílica, cuando esta pintura se va incorporando al arte contemporáneo.

       El desarrollo de la pintura con acrílico como un medio artístico tuvo lugar en los años 20, para ese entonces un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco (1883-1949), Diego Rivera (1886-1957) y David Alfaro Sequeiros (1896-1974)  deseaban pintar grandes murales para edificios públicos, muchos de estos muros estaban al aire libre.

      Se dieron cuenta de que utilizar óleos no sería posible debido a su corta expectativa de vida y por eso trataron con el fresco, pero tampoco resultó. Se necesitaba un tipo de pintura que secase de forma rápida y no se viera alterada por los cambios climáticos; el material que ellos estaban buscando existía ya desde hace tiempo pero se utilizaba únicamente en el plano industrial, nos referimos a las resinas plásticas.

       A mediados de los años 30, el taller de Siqueiros en Nueva York estaba experimentando con nuevas fórmulas, estableciendo una estrecha relación entre artistas y científicos. Se realizaron muchas pinturas y murales interesantes, entre ellos algunos para el proyecto WPA (Works Progress Administration). Pero esto era sólo el comienzo. 

      La experimentación continuó en los EE.UU., y los pintores comenzaron a darse cuenta de que las posibilidades del nuevo medio superaban con mucho las necesidades del mural exterior. Los ensayos tuvieron tanto éxito que parecía que los científicos habían conseguido algo casi totalmente estable. En 1945, nacía en Ciudad de México otro estudio: el Instituto Politécnico Nacional, donde artistas consagrados y estudiantes trabajaban con acrílicos. En las mismas paredes del Instituto se pintaron varios murales interesantes.

En los años 50 fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; y desempeñaron un papel importante en las técnicas de artistas como Pollock (1912-56), Noland (1929), Rothko (1903-­70) y Motherwell (1913). Estos pintores aplicaban los colores de muy diversas formas. Pollock empleaba una gran variedad de veladuras e impasto, a veces colocando el lienzo en el suelo y vertiendo encima la pintura. Nolan construye áreas uniformes de color con contornos definidos, mientras que Rothko manchaba enormes tableros con lavados delgados y transparentes. Motherwell trabaja también en horizontal, pero suele emplear un estilo directo de pincel, con rasgos fuertes. En Europa, la pintura con acrílicos comenzó más tarde. Durante los años 50 se llevaron a cabo numerosas investigaciones, pidiéndose a muchos artistas -entre ellos Michael Ayrton (1921-76), Peter Blake (1932), Josef Herman (1911), Bridget Riley (1931) y Leonard Rosoman (1912)- que probaran el nuevo material, lo cual hicieron durante varios años. Algunos de los experimentos parecen mapas: cuadrados de diferentes colores, para compararlos, comprobar la velocidad de secado, los cambios de coloración al secarse, etc.

 ROTHKO

POLLOCK

La investigación y la experimentación son procesos lentos, y hasta mediados los años 60 no se dispuso de acrílicos en Europa. Desde entonces, los han empleado innumerables artistas británicos, entre ellos David Hockney (nacido en 1937).

                                                  DAVID HOCKNEY

A finales de los 60, ya se podía comprar la otra forma de pintura resinosa sintética, el PVA. Ambos tipos son emulsiones, y se pueden diluir con agua o medios acrílicos. Los dos se secan uniformemente, sin los hundimientos que se producen en las pinturas al óleo, y por lo tanto sin cambios de color o de tono. La pintura es opaca, pero se puede diluir hasta cualquier grado de transparencia si el artista lo desea. Normalmente, ambos tipos se secan con rapidez, pero se puede usar un retardador para hacer más lento el secado.

VENTAJAS E INCONVENIENTES

VENTAJAS	INCONVENIENTES
• Es estable. • Es un fuerte adhesivo • Secado rápido. • Se limpia con agua y jabón. • No deja olor. • Comodidad en el trabajo. • Buen color y calidad, • Se puede acabar/ trabajar   como mate o brillo. • Variedad de soportes. • Mucha capacidad de mezcla con collage y técnicas mixtas.	•Hay que usar líquido “Retardador”. • Puede estropear mucho los pinceles. • Para hacer transparencias hay que usar un líquido “Transparentizador”. • Para hacer efectos, empastes /impastos y veladuras se puede usar un “Gel acrílico”. • Mayor riesgo de cuarteado.

¿ CÓMO PODEMOS TRABAJAR LA TÉCNICA DEL ACRÍLICO CON NIÑOS?

En la actividad de Juegos Cooperativos para la Expresión Artística, hemos trabajado la técnica del acrílico mediante un juego.

Nos planteamos como objetivo, que los alumnos/as comprendiesen y valorasen la obra artística según la gama cromática empleada: colores cálidos-colores fríos.

Para ello, previamente, se dividió la clase en dos grupo. Unos emplearían los colores cálidos y otros los colores frío  facilitandoles la misma  clave.

El resultado de nuestra práctica, fue el siguiente:

CLAVE:" UNA MAÑANA, PINTÉ UN ÁRBOL"

COLORES CÁLIDOS

COLORES FRÍOS

A modo de conclusión, se puede  decir, que ante una misma clave dada, según la gama cromática empleada, la percepción de la obra varía.

FELIZ NAVIDAD

Miles de gotas de felicidad y de sueños,

se esconden entre las cosas más sencillas.

Abre tus manos,

y que la magia de la Navidad, te haga partícipe de ellas.

FELIZ NAVIDAD!!!!!!!

ASSIDO EXPONE LAS OBRAS ARTÍSTICAS CON SÍNDROME DE DOWN Y OTRAS DISCAPACIDADES EN LA CROEM

EUROPA PRESS. 5 DE DICIEMBRE DE 2011

La Asociación para Personas con Síndrome de Down (ASIDO), expone en la Confederación Regional de Organizaciones Empresariales de Murcia (CROEM) obras plásticas y manualidades de los artistas de su Centro Ocupacional con síndrome de down y otras discapacidades, según informaron fuentes de la patronal.

ASIDO conmemora su 30 aniversario con esta exposición, que se desarrolla bajo el título '30 años compartidos, 30 días para el arte' y que ya ha sido mostrada en la Cámara de Comercio, mientras que en CROEM permanecerá hasta el día 22 de diciembre, según informaron fuentes de ASIDO en un comunicado.

En su aniversario, ASIDO quiere poner al alcance de todos los murcianos la creatividad de las personas con síndrome de Down. La dedicación al arte es una buena muestra de cómo el colectivo ha conquistado nuevas parcelas de la vida que hasta entonces les estaban vetadas en estas tres décadas de trabajo.

La exposición incluye piezas de cerámica y obras plásticas con diferentes materiales y tamaños realizados por los artistas del Centro Ocupacional. Además, también será posible apreciar trabajos de serigrafía, cartón piedra y papel reciclado así como las tradicionales tarjetas navideñas de felicitación de ASSIDO.

LOS TRES CERDITOS

 

Esta es la imagen realizada en la asignatura  "Juegos Cooperativos de la expresión artística " realizada conjuntamente con Sonia Martínez y Armando Alcañíz. Realizábamos una comparación con el expresionismo al representar una imagen del cuento " Los Tres cerditos".

Tal y como nos ha comentado nuestro profesor , nuestro trabajo es parecido al grupo expresionista de Die Brücke (El Puente) creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.

El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo dentro del Expresionismo alemán que surge, a partir de 1905 en concordancia con el fauvismo  francés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan las voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario perfecto por la situación de posguerra.

El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y lider del mismo, al que se incorporaron Bleye, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910. El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con sus compañeros franceses.

Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX. Creían que el panorama artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar. Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.

Los principales núcleos en el desarrollo del Expresionismo fueron entre 1905 y 1910 la ciudad de Dresde, donde se gestó y llevó a cabo su actividad el grupo Die Brücke (El Puente) y Berlín a partir de 1911. La ciudad de Munich se convirtió al tiempo en escenario de la segunda alternativa expresionista concretada en el grupo Der Blauer Reiter (El Jinete Azul).

A pesar de que ambos grupos mostraron un interés sin límites por el color y en consecuencia por la deformación formal, mientras que el grupo Die Brücke (El Puente) desarrolló una posición más radical, crítica, dramática y comprometida ante la vida, que se tradujo en unas creaciones fundamentadas en el anhelo por desentrañar lo que se escondía detrás de las formas vacías, sin contenido ni espiritualidad, Der Blauer Reiterr (El Jinete Azul) se mostró más tendente a la exploración formal, manifestando unas inquietudes más dirigidas a la experimentación estética.

A partir de la Primera Guerra Mundial Die Brücke experimentó un grado de radicalización que se reflejó en un arte más dramático y tenso, caracteres que se acusaron aún más a partir de la derrota de Alemania en 1918.

   Características:   

• Rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la realidad.
• Emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva
• Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso.
• Trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores se reforzaran su luminosidad mutuamente.
• Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas.
• Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva
• los integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África. Tratan de recuperar los temas y la técnica.
• Su estítica estuvo muy ligada al cartelismo de la época.
  

Después del la I Guerra Mundial el expresionismo se desplegará en la vertiente utópico-visionaria, en el dadaísmo berlinés o en su polémico maridaje con el realismo de los años 20.
Los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado, en cambio, los italianos, fueron acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni.

     

LA HISTORIA DEL PUNTO

COMPAÑEROS, OS ADJUNTO LA PROPUESTA QUE HEMOS ELABORADO SOBRE                          " LA HISTORIA DEL PUNTO"

Había una vez, un punto, un tanto guerrillero, que después de toda una noche de manifestación, decidió marcharse a su tienda de campaña. Al llegar a ella, observó, que no había nadie a su alrededor, así que pensó que sería interesante acercarse hasta la plaza del pueblo por si allí se encontraban sus compañeros.

Después de una larga andadura, llegó sediento y, sin pensarlo dos veces, se acercó hasta la fuente porque no podía más. En ese instante, recordó que tenía razones importantes para no perder el tiempo porque debía encontrar a sus compañeros, pero.....su sorpresa fue encontrar al perro de su amigo, un perro de raza espectacular!!!!!! qué alegría!!! ahora encontraría a sus amigos " los puntitos", Punto le pregunta al perrito, que , por cierto, tenía una mancha en su cuerpo, pero no sabía nada de su dueño.

Juntos caminan por la plaza hasta llegar al "gran reloj".Era demasiado tarde y no había nadie. ¿ Dónde estarían todos?. En ese instante, apareció un guardia que vigilaba la zona y, sin pensarlo, punto decide acercarse para preguntar por sus amigos. Mientras avanzaba se encuentra con una moneda y aprovecha para guardarla .El guardia no había visto a nadie, así que punto decide acercarse a una cabina telefónica y llamar a su amigo desde la misma, pero tiene tan mala suerte, que la cabina se traga la moneda. Al salir de la misma, se encuentra con un técnico de telefónica, pero no pudo hablar con él porque su coche se había averiado.

El punto continua caminado y tropieza en el camino con una piedra.Intenta consolar su angustia con ella pero, la piedra, no le contesta.

Decide continuar su camino y, repentinamente, comienza a llover. Angustiado mira a ambos lados para buscar un lugar donde refugiarse, con la suerte,  de encontrar una enorme cueva. Dentro de ella, se encuentra un gato y punto, sin pensarlo dos veces, se acerca hasta él y le explica lo que  ha recorrido y su preocupación. Hacía mucho frío y punto decide hacer un fuego para calentarse. Cuando están preparandolo, aparece una mujer con muchos gatos. Era la dueña de ese gato extraño que se encontraba en la cueva.

Punto la mira apenado y la mujer lo lleva con ella a una plaza hippie. Ante tal animación, punto decide hacerse hippie. Conoce a muchos puntitos y a una puntita y se enamora de ella. No lo piensan dos veces y se compran una casa con muchas flores, pero la crisis los lleva a tomar la decisión de marcharse a otro pais a buscar trabajo.

Buscan vuelos por Iberia y cogen el primer avión que encuentran. Al llegar a esa nueva ciudad, punto encuentra un trabajo de florista y su señora de telecomunicadora. Pasan los años y nace , puntito, que va al cole con muchos niños y al parque a jugar, Punto decide que quiere, otra vez, cambiar de trabajo porque con la crisis no venden flores y toman la decisión de ir a las montañas para cultivar la tierra y poner una tienda de calabazas.

Cuando han avanzado en edad,  quieren regresar a su pais , pero  puntito se queda porque es mayor  de edad, va a la universidad,  tiene un empleo en una pizzeria y una novia que trabaja en una tienda de ropa.

Consiguen ahorrar bastante dinero y cogen un avión para ver a papá y mamá punto pero, al llegar allí, ambos estaban muy ocupados. Papá punto trabajando en una joyería y mamá tomando café. El pobre puntito se siente incomprendido y se cansa. se va a pasear, se encuentra al perro y regresa a la tienda de campaña INDIGNADO!!!!!!